Muy buenas familia!!

En esta ocasión toca hablar de cine y la importancia de la fotografía en él.

Comenzaré explicando algo fundamental.

El director de la película y el director de fotografía tienen que complementarse ya que es éste último quien dará forma visual a la idea del director.

El director de fotografía tiene que saber dirigir luces, sombras y colores para dar narrativa visual.

Saber mover a los actores en cada uno de los planos, donde la regla de los tercios es muy recurrente.

Saber elegir lentes y cámaras y en qué altura y ángulo las pondrá para dar sentido a la toma.

Os suena todo esto, ¿verdad?

Creo que no se diferencia mucho de cualquier sesión que se nos ocurra y planifiquemos.

La única diferencia es que hay que dirigir todo esto en un espacio de tiempo más amplio, 24 fotogramas por segundo.

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Ciudadano Kane (1941).

Director: Orson Welles.
Fotografía: Gregg Toland.

Inevitable no hablar de ella ya que Orson y Gregg hicieron un trabajo conjunto espectacular.

Constantemente se utiliza un juego de luces y sombras que dan dramatismo y valor psicológico a cada una de las escenas.

Se Iluminaban los rostros de los actores sin buscar la imagen bonita o estética de estos.

Los planos destacan los contrapicados para resaltar al personaje y los picados para todo lo contrario, introciendo techos o suelos en esa narrativa visual.

Utiliza ópticas de gran angular que deforman los personajes y planos con cámaras subjetivas.

Las escenas estaban filmadas con diafragmas muy abiertos por lo que la profundidad de campo era escasa.

Para intentar conseguir más profundidad de campo utilizaba esquemas de luz que crearan sombras para dar importancia a ese primer plano donde se encuentran los actores.

Aunque no os lo creáis, fue un gran fracaso comercial.

Welles tenía una creatividad que en su época no fue muy entendible en el mundo cinematográfico.

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Barry Lyndon (1975).

Director: Stanley Kubrick.
Fotografía: John Alcot.

Ambientada en el siglo XVIII.

Kubrick y Alcot se basaron en aspectos visuales de pinturas de esa época.

Querían que el espectador estuviese allí por lo que en la mayoría de las escenas la iluminación es natural en exteriores.

En interiores la luz llega de ventanas o de candelabros y velas.

En algún caso usó varios reflectores pero siempre simulando la luz natural.

Se logró que la profundidad de campo apenas existiera concentrando el foco y los puntos luminosos en zonas específicas.

En su época no tuvo ni buena taquilla ni buenas críticas aunque se llevó varios Oscars entre ellos el de mejor fotografía.

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Apocalypse Now (1979).

Director: Francis Ford Coppola.
Director de fotografía: Vittorio Storaro.

Ambos querían dar un enfoque naturista por lo que carece de muchos efectos especiales.

Tan solo la luz y el color hablan por si solas y son lo que dan dramatismo a la historia.

Utiliza fuentes de luz presentes en escena, como lámparas de mesa, dejando sombras en penumbra o ventanas con cortinas y así dejar ese ambiente naturista que buscaban.

El color de la luz en los exteriores es anaranjado para simular “tonos asiáticos” y lo más curioso de esto, es la utilización de la luz natural de los atardeceres en muchas escenas.

En determinados planos si se utilizan filtros más naranjas para resaltar ese mundo asiático y más verdes los tonos de la jungla para darnos una sensación de agobio.

Encontraremos también planos con sombras duras y a contraluz.

Uno de los más conocidos es el ataque al poblado “Charlie”. Os dejo una imagen que habla por si sola.

Un par de curiosidades que le dan más mérito al Oscar que se llevó y es que el rodaje duró cerca de dos años, acabando con unas 370 horas de película y un año más para su estreno…imaginad editar todo eso…

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American Beauty (1999).

Director: Sam Mendes.
Fotografía: Conrad L. Hall.

En este caso, es el color rojo el que predomina en todas las escenas.

Si os fijáis bien, en la mayoría de los planos se encuentra presente.

Ya se sabe que el rojo simboliza pasión y/o muerte.

Aparece casi siempre sobre un fondo blanco, ya sea en forma de ropa interior, puerta de una casa, labios, pétalos de rosa, zapatos…

Contrasta con escenas grises donde los protagonistas tienen vidas monótonas.

Hay mucha sutileza y simbología en los planos.

Hay escenas donde, sin haber nadie, se cuenta una historia.

Uno de los planos más famosos de esta película es la fantasía que tiene el protagonista con la chica: una habitación llena de rosas donde a ella está tumbada boca arriba.

No es el único plano que hay así en la película. Os lo pongo, ya que una imagen vale más que mil palabras.

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Amelie (2001).

Director: Jean-Pierre Jeunet.
Fotografía: Bruno Delbonnel.

He de confesar que es una de mis películas favoritas por todo lo que en ella veo aparte de sentirme identificada en alguna ocasión de mi vida con la protagonista y con esas escenas tan mágicas, como darle importancia a las pequeñas cosas de la vida e intentar hacer felices a los demás.

En Amelie veo una atmósfera mágica en cuanto a colorimetría.

Juega mucho con los tonos naranjas-rojos que son cálidos con los azules y verdes que son fríos.

Por otro lado y adentrándonos en el guión, para mi tienen simbología ya que el verde es el color de la esperanza y el rojo el de la pasión.

Bajo mi punto de vista Amelie es así, pasión y esperanza por la vida.

La luz que nos encontramos es muy suave y en algunas escenas están en contraluz o penumbra para darnos una sensación de clandestinidad.

En cuanto a los encuadres, la gran mayoría de ellos son muy simétricos estando los puntos de vista a la altura de los ojos.

En alguna ocasión hay picados y contrapicados para enfatizar la acción.

Y si os dijera que Audrey Tautou ( Amelie) hace fotos a todo aquel que la entrevista con una antigua Leica que lleva siempre consigo… ¿no os resulta mágico?

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La novia cadáver (2005).

Director: Tim Burton y Mike Johnson.
Fotografía: Pete Kozachik.

Os preguntaréis el porqué de incluir esta película en este post.

Pues muy fácil, es por la técnica utilizada, el stop motion.

Consiste en la toma de muchas fotografías en secuencia mientras se mueve poco a poco el objeto.

Es un trabajo complejo ya que hay que sincronizar los pequeños movimientos de cada personaje en el escenario para dar sensanción de un movimiento limpio y preciso.

Los muñecos tenían un esqueleto de metal totalmente articulado pudiendo realizar cualquier movimiento.

Utiliza muchos planos cortos.

Se usan para reflejar sentimientos y expresiones de los personajes.

Y de vez en cuando hay un uso de planos generales o amplios donde nos enseña paisaje.

Existen dos mundos: el de los vivos, gris y oscuro, triste y apagado; y el de los muertos, donde hay color, música, risa y vida.

Personalmente lo que me parece brillante de esta película es una escena donde el protagonista toca el piano.

Es un piano de verdad con notas musicales de verdad.

Me resulta asombroso haber dado movimiento y sonido verdadero con la técnica del stop motion.

En este caso os pongo el enlace más que una foto para que veáis el trabajo que hay detras de cada fotograma hecho foto a foto.

El laberinto del fauno (2006).

Director: Guillermo del Toro.
Fotografía: Guillermo Navarro.

Se podría decir que en esta película el color es el protagonista.

Navarro trabajó con una paleta muy reducida para tener un control total del color en la película y pidió a los departamentos de dirección de arte y vestuario que usaran una gama específica de tonos.

El color en esta película está lleno de simbolismo y acompañará la trama y la narrativa en todo momento.

Usa tres códigos de colores los rojos y azules que sirven para contrastar el mundo mágico y el mundo real y los verdes que sirve como una puente entre los dos.

En resumen se explota el color como herramienta expresiva y conseguir eso es brutal.

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Origen (2010).

Director: Chistopher Nolan.
Fotografía: Wally Pfister.

Con esta película quiero explicar eso que decimos tanto en foto y que los más puristas no suelen llevar muy bien: “las reglas están para romperlas”.

Es el caso de los encuadres de Origen.

Bien es cierto que utiliza mucho la reglas de los tercios, encuadres muy centrados o reencuadres en formas geométricas.

Pero en ocasiones y para crear un ambiente de agobio, hay planos muy cerrados haciendo “cortes inapropiados”.

Sin hacerlo así no conseguiría el mismo efecto en el espectador.

En cuanto a la iluminación, decir que hay una gran variedad de registros para que en cada secuencia nos involucremos en cada mundo de manera inconsciente.

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El árbol de la vida (2011).

Director: Terrence Malick.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.

La película entera es una bellísima poesía en la que cada plano nos cuenta una historia.

Nos encontramos con una fotografía intimista y urbana con gran cantidad de picados y contrapicados y captando gran cantidad de sombras.

Visualmente es muy potente.

Se podría decir de esta película que la imagen está por encima de los diálogos.

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Gravity (2014).

Director: Alfonso Cuarón.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.

Una vez más, la luz es la principal protagonista.

Aunque en esta ocasión cabe destacar que es una luz “inventada”.

Me explico. Lo normal es que haya un foco de luz y a partir de ahí la modificamos.

En esta película éste no es el caso. Las tomas son grabadas en un cubo verde y la luz la generarán después por medios virtuales.

Crean luz y es digno de ver ya que es muy natural y te hace creer que estás en el espacio.

Los planos con objetivos angulares y tomas donde las cámaras flotan suavemente alrededor de los personajes y planos largos nos acercan a sentirnos allí y sentir esa angustia y vacío que puede producir estar fuera de nuestra atmósfera.

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La forma del agua (2018).

Director: Guillermo del Toro.
Fotografía: Dan Laustsen.

No puedo evitar hablar de una de las últimas películas que he visto.

Visualmente me ha fascinado la fotografía con una ambientación impecable de los años 60.

Hay un filtro verdoso y azulado que ya te habla del agua del mar.

Incluso se puede ver en el vestuario de los personajes.

El rojo con su calidez es otro color que va apareciendo tímidamente y que tiene gran simbolismo.

Una vez más, la narrativa visual es mucho más importante que un guión.

Una curiosidad de esta película es que se pensó rodar en blanco y negro para adentrarnos más en esos años pero se descartó esa idea casi al instante.

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Familia, ésta ha sido mi elección de 11 películas que, a nivel fotográfico, hay que ver aunque se me quedan algunas en el tintero…

Ahora os invito a que elijáis las vuestras o que volváis a ver vuestras películas favoritas desde el punto de vista fotográfico que ya tenéis.

¡Os inspirarán!


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Este fantástico artículo ha sido escrito por Marijose Fernández

Fotografía de portada: My Final Year Blog